Categorías
Uncategorized

The Trial of the Chicago 7

Drama Histórico / 2:10/ USA / 2020

Actores: Eddie Redmayne (Tom), Alex Sharp (Rennie), Sacha Baron (Abbie Hoffman), Jeremy Strong (Jerry), John Carroll Lynch (David), Yahya Abdul Mateen Il (Bobby Seale), Mark Rylance (Kunstler), Joseph Gordon-Levitt (Schultz), Frank Langella (Judge Hoffman)

Director y guionista: Aaron Sorkin

Fuente: Netflix 

The Whole World is Watching!” Gritaban a todo pulmón una y otra vez los movimientos de protestas de los 60’s.

Se acerca la Convención Demócrata de 1968 en Chicago previo a las elecciones del mismo año. En la nación un ambiente caldeado se respiraba y no solo por las elecciones per se, también por lo que significaba para la guerra de Vietnam. La lucha por las libertades civiles tenían lugar en todo el país. Los asesinatos de Martin Luther King y el candidato Demócrata a la presidencia de los EEUU Robert F. Kennedy (en el momento de su muerte lidereaba las primarias demócratas), le echaron leña al fuego. Todo esto ante el cuadro escalofriante de aumento de muertes en Vietnam y el incremento desmedido de tropas y como colofón la alta probabilidad (fue la realidad) que los candidatos demócrata y  republicano a la presidencia favorecían la guerra de Vietnam. 
Los diferentes movimientos de protestas se citan para una demostración pacífica allí (Chicago) donde son recibidos por 12,000 efectivos de la policía de la ciudad y 13,000 de la Guardia Nacional. Las autoridades invocan la Ley Rap Brown que prohíbe cruzar líneas estatales con el propósito de incitar a la violencia. Lo de pacífico se quedó en el punto de partida. 

La película se desarrolla en el 1968, en Chicago, durante las elecciones y la época de protestas por la guerra de Vietnam. (Suministrada)

En la Corte se desarrolla la segunda parte de la farsa. El juez Hoffman, ninguna relación con Abbie e interpretado con maestría por Langella se revuelca entre la ineptitud y el prejuicio y los administra a «manos llenas» en el sentido amplio del término. Resumimos el proceder del juez Hoffman, ya que es historia y está accesible. 
Las escenas de la Corte se toman en un tiro ancho que permite al espectador ver simultáneamente a los abogados en su interrogatorio y a grupos de personas reaccionando a lo que acontece. Según se desarrolla el juicio, el director Sorkin nos lleva hacia atrás para explicarnos el génesis de lo que se daba en la Corte; a la misma vez usaba a Abbie Hoffman para hacer un recuento a los protestantes de lo acontecido ese día en el juicio. 
En la película entonces co-existen tres (3) historias:

1- El juicio y todas sus particularidades 

2- Las demostraciones que se tornan de pacíficas a violentas y

3- La rivalidad entre Tom Hayden y Abbie Hoffman. 

El elenco cuenta con actores reconocidos como Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt y más. (Suministrada)

Este juicio duró 6 meses y existen 22,000 páginas de transcripción. Con tantos datos, corrupción y una Corte «cargada» la balanza se inclinaba en contra de los Chicago 7, cuando surge la oportunidad de traer a testificar a Ramsey Clark (Michael Keaton), ex Fiscal General de los EEUU, bajo la administración de LBJ. La recopilación de información llevada a cabo por su oficina le da un giro inesperado y necesario a los acusados. ¡Su actuación es un crédito a la película!

Por razón de tiempo vamos a resumir y destacar las actuaciones. Sacha Baron nos sorprende gratamente en un papel que le exige más de lo que nos tiene acostumbrado. ¡Lo logra y lo sobrepasa!
Eddie Redmayne se reafirma como una de las figuras principales del cine y el teatro en la última década, ha sido ganador del Oscar, Golden Globe, BAFTA y el TONY, entre otros. ¡Amplio su talento! Mark Rylance trasciende en su papel de abogado; es un ganador de Oscar y TONY. Es su astucia y veteranía que le da balance a la película. 
Frank Langella, otro brillante veterano, que tal vez para sorpresa de muchos ha sido más galardonado en teatro, que en el cine. ¡Brillante en su papel de Antagonista!

Comentario: De estos 4 actores que entendemos son los principales, con la excepción de Langella, son británicos en una película de historia puramente estadounidense. 
Aaron Sorkin es el director. Este es solo su segundo trabajo. En cine Molly’s Game (2017) fue su debut. Es como guionista que ha hecho su nombre, de películas como A Few Good Men, The Social Network y Moneyball y series como The Newsroom y The West Wind.

Ser guionista para TV nacional a menudo obliga a hacer concesiones como finales épicos o felices y esto puede permear en su estilo. Sorkin ya lo hizo en su bien recordado A Few Good Men y tal parece no lo superó para The Trial of the Chicago 7. Esto le resta méritos, sin llegar al demérito. 

Otro comentario: Es altamente recomendable buscar lo que significó el año 1968 en la historia de EEUU, tal vez el más convulso de los últimos 52 años y al mismo tiempo tan pertinente como el 2020. Esta búsqueda nos ubica con una visión más amplia para comprender/entender la película y la época que representa. 

Puntuación: 4 de 5 Coquis 

Categorías
Uncategorized

Sorry We Missed You – Luis J

PRIME VIDEO

2019

Ken Loach – Director

Paul Laverty – Guión (Basado en la vida real)

Protagonistas:

Kris Hitchen                   Ricky

Debbie Honeywood        Abbie

Rhys Stone                      Seb

   Katie Proctor               Liza Jae

“The mass of men lead lives of quiet desperation”

Henry David Thoreau

“A movie isn’t a political movement, a party or even an article. It’s just a film. At best it can add its voice to public outrage”

Ken Loach

Cuando era más joven, pero más tonto que ahora, y hablaba de cine, pretendía marcar una diferencia entre el “panfleto” y la “obra de arte.” Así también afirmé que Orson Welles era un artista más importante que Honorato de Balzac. Ahora que los grises tienen más importancia, pero con la ingenuidad de la niñez, digo que en política soy un “centrista radical”.

La película que nos ocupa hoy es un mentís rotundo a la primera afirmación. Ken Loach se ha pasado su larga y productiva vida produciendo “panfletarias obras de arte” siendo (en mi opinión) Sorry We Missed You, la mejor.

No está solo en este logro, pues le acompaña su guionista preferido Paul Laverty y entre ambos nos cuentan esta historia de impolutos seres económicamente marginados, miembros de un núcleo familiar que, a pesar de las vicisitudes, parecen mucho mas en armonía que el estereotipado de clase media; ni hablar del de “los ricos y poderosos”.

El simple hecho de titular el filme Sorry We Missed You es la primera denuncia con que nos abofetea el director, toda vez que, de acuerdo con Loach, hemos perdido de vista a estos miembros de la comunidad humana y nos hemos convertido en peones de un capitalismo desbridado y cruel. Y he aquí el panfleto.

Por otro lado, el efecto nocivo que debería causar en las familias marginadas, la desigualdad económica y social, produce (gracias a la habilidad del Director y el Guionista, ni hablar de un reparto de actores excepcionales) una compasión y solidaridad dignos de una reflexión profunda.Y he aquí la obra de arte.

La película cuenta la historia del esfuerzo de una familia luego de la crisis financiera del 2008. (Suministrada)

Ricky es el Jefe de familia explotado por la empresa diseñada exclusivamente con el propósito de generar ganancias; Abbie, la esposa, no está lejos de trabajar para una organización similar en el área de la geriatría y cuya vocación es casi sacerdotal. Es también el tronco en que se apoyan Ricky y sus dos hijos Seb (díscolo y rebelde) y Liza Jae que a sus once años luce una madurez solo empañada por una sensibilidad excesiva, expresada a través de micciones nocturnas en el lecho que ocurren cuando escucha alteradas desavenencias familiares. Pese a todo, este núcleo familiar se mantiene unido y hace de la desesperanza el lazo que los ata.

La cita que precede esta reseña es la muy disputada de Thoreau: “The mass of men lead lives of quiet desperation” que es, de acuerdo con estudios de sicología empírica, una conclusión equivocada que ni tan siquiera corresponde con la intención del autor y que contrasta con vidas relativamente felices que vivimos la mayoría de los seres humanos. 

¿Son los miembros de esta familia un retrato fiel de la clase trabajadora en países industrializados? Nos resistimos a creerlo. ¿Son, acaso, los símbolos dramáticos de una sociedad involucionada que a golpe de conciencia ha suavizado el empuje avasallador de un sistema deshumanizador?

El hecho de que permanezcan y se queden en nuestra memoria como una “herida luminosa” es el triunfo de un cineasta que merece profundo respeto.

4.5 Coquies… ¡pudieran ser pocos!

Categorías
Uncategorized

Sorry We Missed You – Raúl

Drama / 1:40 / English / 2020

Actores: Kris Hitchen (Ricky), Debbie Honeywood (Abbie), Rhys Stone (Seb), Katie Proctor (Liza), Ross Brewster (Maloney)

Director: Ken Loach

Nominada al BAFTA y Cannes como «Mejor Película»

«You don’t work for us, you work with us.» Así le dijo el supervisor Maloney (Brewster) a Ricky (Hitchen) dando por sentado algo parecido a una «esclavitud moderna».

Los actores Kris Hitchen y Katie Proctor, interpretan los roles del padre, Ricky, y su hija, Liza. (Suministrada)

Tragedia urbana de nuestros tiempos (Inglaterra 2008) en pleno descalabro financiero. Ricky pierde su empleo y comienza el espiral de su familia compuesta por su esposa Abbie (Honeywood), que es cuidadora de ancianos y sus hijos menores Seb (Stone) y Liza (Proctor). Logra trabajo como chófer independiente a merced de su inhumano supervisor y la no menos infame máquina de rastreo (scanner). El ser trabajador independiente viene con su precio, ya que necesita un vehículo van de su propiedad. Para conseguirlo se ven obligados a vender el carro de Abbie, que es su transportación para diariamente asistir a varios clientes en diferentes direcciones. Esto es solo la punta del témpano. 

Los graves problemas con su hijo adolescente trastoca la familia en sus cimientos. Seb es un joven rebelde y porfiado, pero también muy inteligente; es una combinación que prueba ser en extremo volátil. Las largas horas y días de trabajo de la pareja se van cociendo y tornándose en verdadera olla de presión. La tirante situación padre e hijo desemboca en violencia física. Las estoicas, balanceadas y maduras posiciones de los personajes femeninos le sirve de contrapeso a los personajes masculinos. 

Debbie Honeywood interpreta el rol de la madre, Abbie. (Suministrada)

En Sorry, We Miss You el veterano director Ken Loach va al tuétano con situaciones harto conocidas con personajes reales en situaciones fuera de su control. Es una filmación sencilla, honesta, sin subterfugio que la contaminen. La familia se hace pedazos. ¿Tendrá salvación?

Kris Hitchen nos da una excelente actuación de un hombre herido en su amor propio al sentirse responsable por la triste situación económica de su familia. Debbie Honeywood en su papel de esposa, madre y cuidadora profesional riega generosamente humanismo, es el remanso, aún en los momentos más álgidos del conflicto. ¡Brillante! Stone es el joven rebelde y lo hace tan convincente que hasta a nosotros nos causó momentos incómodos. ¡Real! Proctor es una niña/mujer su papel exige madurez y dulzura. ¡Logrado!
Estos son actores con poca experiencia, al menos en el cine. La directora de casting Kahleen Crawford supo reconocer esos talentos poco expuestos. 

Ken Loach, su director, nos transporta a la piel de sus personajes. Sentimos su frustración y furia como si fuesen nuestras. ¡Es un maestro! Mención aparte para el guionista Paul Laverty; esta colaboración es una más de los éxitos por ellos alcanzados. I, Daniel Blake y The Wind That Shake The Barley, así lo atestiguan. 

Nos alegramos mucho de no tener que decir “sorry, we missed you,” porque es una gran película. 

Puntuación: 4.7 de 5 Coquis.

Categorías
Uncategorized

It Felt Like Love

1:22 / USA / 2013

Actores: Gina Persanti (Lila), Giovanna Salimeni (Chiara), Ronen Rubistein (Sammy), Jesse Cordasco (Patrick)

Director: Eliza Hittman (guionista)

Nominada a premios en varios festivales.

«For some people, the transition to adulthood happens almost overnight.»

Sean Dietrich

Lila (Persanti) es una niña de 14 años que en su despertar sexual acecha a un joven mayor, pero no tarda mucho en enredarse en su telaraña y los roles cambian y descienden. 

La actriz, Gina Persanti, interpreta el papel de la protagonista, Lila, en It Felt Like Love. (Suministrada)

La edad de la confusión. ¿Dónde está mi lugar en el mundo? Lila completa el trío de amigos, que incluye a su inseparable Chiara (Salimeni) y su novio Patrick (Cordasco) envueltos en una candente relación. Esto despierta la curiosidad de la adolescente, se combina con el exceso de tiempo libre por las vacaciones de verano, su madre fallecida y un padre que está, pero realmente no está, son como gasolina para un incendio.

Lila no está interesada en un relación formal y sí por pasar por la experiencia. Ve el «cielo abierto» cuando conoce a Sammy (Rubistein),  se da a la caza y solo consigue ser rechazada y convertirse de cazadora a presa. 

La directora escoge usar hábilmente la cámara para captar los cambios emocionales de Lila y no hacen falta los diálogos; es verdaderamente un éxito. Hay quien dice que lo mejor de esta edad es que solo pasa una vez; esta película le daría la razón. 

Ronen Rubistein interpreta el rol del personaje Sammy en la película. (Suministrada)

Gina Persanti (Lila) en su primer papel lleva el peso pesado de la película se puede sentir en su lenguaje corporal toda la incertidumbre que su edad conlleva. ¡Brillante! Salimeni, Rubistein y Cordasco llevan sus papeles con dignidad. 

Eliza Hittman nos presenta su «Opera Prima» como directora y guionista, sale con honores y es la base para su tercer trabajo (largometraje), la maravillosa Never, Rarely, Sometimes, Always reciente evaluada por nosotros. Hittman ha sabido palpar el tema «coming of age» con tal dominio que nos sospechamos que tuvo una interesante etapa juvenil. Su segunda película Beach Rats, la tenemos en la mirilla. 

Puntuación: 4 de 5 Coquis. 

Categorías
Uncategorized

Sami Blood – Luis J

“My definition of making films that matter is simply: using the medium of film to express, explore, or examine the ideas that interest us, our personal struggles, and our personal and cultural beliefs on a microcosmic level.”

Rob Hardy
Trailer de la película. (Youtube)

Desde un comienzo poco auspicioso hasta nuestros días, el cine ha recorrido un largo camino. En sus inicios despegaba como entretenimiento pasajero y, poco a poco, pasó a convertirse en expresión artística que producía obra significativa desde el punto de vista de la narrativa y la estética. Si bien es cierto que el cine, como elemento comercial, ha acumulado sus mayores éxitos; este se ha visto forzado a ceder parte de su espacio a un cine que apela a un público que lo ha identificado como el arte del siglo XXI. Las obras que se continúan produciendo al margen del llamado “cine comercial”, ahora son protegidas por prestigiosos festivales de cine que crean mercados paralelos al antes monopolizado cine de entretenimiento.

“Sami Blood” se basa en una historia que podría haber sido “prostituida” por los elementos que conforman el cine comercial y que sin embargo sobrevive como obra de arte, gracias al talento de sus componentes creativos. Su directora, la cineasta sueca Amanda Kernell que ha pagado su ascenso en el cine internacional con el devaluado pero importante boleto del cortometraje (con mas de media docena premiados en festivales internacionales), conjuga una traumática experiencia personal, con la tradición intimista del cine sueco y un equipo de primera categoría donde despunta de manera brillante la cinematografía de Sophia Olsson y la memorable actuación de Lene Cecilia Sparrok.

El largometraje es inspirado por el cortometraje creado por la misma directora, Amanda Kernell. (Suministrada)

La historia nos revela el mundo remoto de los Sami, grupo étnico relegado a los confines del norte sueco y objeto de un discrimen que no ha podido con el espíritu imbatible de estos seres que pastorean renos y se aferran a tradiciones milenarias. De este entorno pretende escapar la protagonista que, enfrentada con una cultura ajena que le viene impuesta por la historia y los prejuicios, termina aceptando sus orígenes y aceptando el mundo que durante su juventud rechazó y que es parte irreemplazable de su ser. Un memorable filme que permanece con el espectador como una denuncia poética, gracias a su poderoso mensaje y al innegable talento de una directora que habrá que seguir muy de cerca.

4.5 coquíes muy merecidos.